为了挖出埋藏最深的隐喻，和最隐秘的艺术梗，我们一帧帧、一字字地拆解了周杰伦的新
MV。
轻松读懂那些一知半解的名字，一文囊括所有文化内涵。
文/藏山君
1、从莎玛丽丹说起（La Samaritaine）
不错，这是一个百货商场。
然而，在法国人心目中，这更是一个法国的文化遗产。
它是一座穿越时空的建筑，是法国巴黎的百年地标，有着一个跨越阶级的传奇故事。
这座建筑的来历可以追溯到19世纪路边的一个小贩。长期以来，他一直在人来人往的巴黎新桥上兜售货物。由于很会做生意，被人们称为“带着木箱的拿破仑”。
他叫欧内斯特·科涅克。
在街边叫卖的过程中，他敏锐地发现了商机——要想赚钱，得从巴黎最强大的购买力——贵妇们身上做功课！然而，贵妇们是不会来他的街边小摊买东西的。于是他下定决心，不能永远摆摊下去，以后一定要开一家真正的店！
终于，1870年，他倾尽多年卖货积攒的所有积蓄，开了一家小店。
法国历史上一个传奇的商业帝国，从此诞生了。
这家店是真的小，总面积只有47平米。也就跟今天的一家小卖部差不多。
不过按照既定目标，这家店是目标顾客是巴黎的美女贵妇们。因此麻雀虽小，五脏俱全。他发挥自己的经商天赋，开创了诸如“试衣间”等一系列当时最新鲜的玩意儿。
目标顾客是女性的话，店铺叫什么名字好呢？
欧内斯特看看对面那座古老的抽水站和一旁的雕像，决定直接使用雕像的名字——“莎玛丽丹”。
莎玛丽丹是谁？
现在，让我们把这段历史追溯到1578年的亨利三世时期。为了缓解圣母院桥的交通压力，国王决定在旁边建一座“新桥”。这里是巴黎的诞生之地，自古以来，就是巴黎的中心。新桥是巴黎史上第一座石桥，意义非凡。
到了1603年。此时正是法国波旁王朝的创建者，国王亨利四世统治时期。
这位国王在新桥旁边建了一个抽水站。因为是抽水站，所以人们在旁边又建了一个莎玛丽丹雕像。雕像雕的，其实是耶稣和撒马利亚妇人的故事里面，雅各井旁的那位妇人。在故事里，撒马利亚妇人荣幸地得遇耶稣。这个宗教故事寓意主赐“活水”拯救罪人。
欧内斯特·科涅克1839-1928
总之，“莎玛丽丹”不但是个传奇的商业帝国，还寓意着一种“被主拯救的女人”的信仰。它鼎盛于19世纪末20世纪初。在法国人的心中，它就是法国辉煌历史中的一部分，是一个文化艺术最好的时代。
在这个时代，巴黎不单单是一个城市，更不单单是一个地名，而是像家长心中“别人家的孩子”那样，是所有人心中那个“别的地方”，是那时候几乎全世界文人艺术家都梦想的地方。
今天你要是有什么朴实的愿望，可能会说希望“面朝大海，春暖花开”。而那个时候的文人和艺术家们，说到愿望，一定会说：
“我想去巴黎”。
难怪，当莎玛丽丹于2021年重新开业的时候，法国总统马克龙会来亲自剪彩。
莎玛丽丹里面有一座金碧辉煌的旋转楼梯，最顶层就是MV中弹奏古董钢琴的地方。
此刻音符在周董手下流转，如果镜头穿过他头上的玻璃屋顶，巴黎的星星大概正在熠熠生辉。
四周的黄色壁画，是从19世纪末新艺术运动热潮时，莎玛丽丹的新艺术风格装修遗留至今的。这些壁画其实是孔雀和鲜花的瓷面石板。
而画中的孔雀，隐喻着我们即将开启的艺术穿越之旅。
在19世纪末开始的美好时代里，祖籍印度的孔雀来到了巴黎新艺术运动，从绘画到建筑，欧洲艺术设计的方方面面都能看到孔雀的身影。到了1920年代，孔雀也进入了一个新的时代。
这架钢琴据说是1872年的巴洛克古董钢琴，价值100多万欧元。和伍迪艾伦一样，周董也用他的作品做了一场梦，穿越到1920年代巴黎的梦。
醇厚、浓烈而富有古典气息的低音，
华丽、灵动而充满浪漫主义的琶音和高音，
时间飞快倒流，欢迎来到“巴黎”。
2、在蓝色列车，与超现实主义相遇 （LE TRAIN BLEU）
这个富丽堂皇的餐厅，是巴黎餐厅中的绝对王者，名叫蓝色列车。这家餐厅已经有一百多年历史，完好保存了当年的风貌。金碧辉煌的装饰、艺术雕塑、巨幅壁画，让人仿佛置身19世纪末的皇室宫殿。
与巴黎著名的大小皇宫、亚历山大三世大桥一样，作为1900年巴黎世界博览会的标志建筑，“蓝色列车”餐厅开业时便得到时任总统亲自剪彩
不少电影的文艺作品的取景地都选在了这里，比如吕克贝松的《尼基塔》、苏菲玛索的《逃之夭夭》以及憨豆先生的《憨豆的黄金周》等等。
之所以叫“蓝色列车”，是因为它坐落在里昂车站的大堂，前身叫里昂车站自助餐厅。这个名字源于巴黎上个世纪，是一种专门载着上流社会人家前往蔚蓝海岸游玩的真正的豪华列车。
餐厅至今仍保留了不少当年蓝色列车的元素，比如会有两位身穿蓝色制服的列车礼宾走到餐厅中央跟大家报站名，还会高歌一曲《玫瑰人生》或《带我走》等上世纪法国经典名曲。
在蓝色列车，周董将与真正的超现实主义相遇。
3、质疑真实的马格利特（Rene Magritte，1898-1967）
啊 偏执是马格利特
被我变出的苹果
超现实的是我
还是他原本想画的小丑
不是烟斗的烟斗
脸上的鸽子没有飞走
请你记得
他是个画家不是什么调酒
永远戴着圆顶黑礼帽的马格利特，是比利时的超现实主义画家。他描写现实元素，然而又颠覆现实，打造出光怪陆离的梦境，充满隐喻和解读性。
这幅《人类之子》是马格利特的自画像，曾经出现在好几部电影里。
画家和平时一样穿着标志性的圆顶礼帽和长大衣，一只眼睛从苹果边上窥视着世界。
马格利特自己说过他想在这幅画中表达的含义：
我们看到的东西总是互相遮蔽，而我们又总想知道被挡住的是什么……这不是一个简单的什么被挡住了什么没有被挡住的问题……而是一个被挡住的和没被挡住的之间可见性差异的问题。
翻译过来就是——眼睛看到的，不一定是真实的。
马格利特还有一幅名作《 再见》（Au revoir），里面只画了一颗苹果。
披头士中的保罗·麦卡特尼是马格利特的忠实粉丝，买下了这幅画。
后来就有了名噪一时的苹果唱片公司。披头士的苹果唱片著名专辑《Hey Jude》封面就是一只青苹果。
《这不是一只烟斗》是马格利特最出名的一幅作品。这也是一幅聚焦质疑和思考的作品。
上面画着一只烟斗，而下方的文字写着“这不是烟斗”。形成了激烈的矛盾，强行引起观众的思考和互动。
或许应该说，这是一幅著名的哲学作品。
《这不是一只烟斗》，又称《形象的叛逆》
鸽子与青苹果有着异曲同工之妙，不知大家有没有注意到，用偶然事物来遮挡面孔，是马格利特超现实肖像画的一个典型特色。
马格利特的超现实主义对西方现代艺术，包括后面的达利，以及波普艺术家等等，都有很大影响。
他于1937年创作的《快乐原则》，拍卖价格高达约1.83亿人民币。
雷内∙马格利特 1937年作 《快乐原则》，约1.83亿人民币
4、迷倒全宇宙的小胡子：达利（Salvador Dali，1904-1989）
达利翘胡是谁给他的思索
弯了汤勺借你灵感不用还我
融化的是墙上时钟还是乳酪
龙虾电话那头你都不回我
有人说，达利最好的作品就是他自己。这位西班牙的疯子天才用高高翘起的小胡子迷倒了全世界。
有人说他的胡子价值百亿。
小野洋子曾经向他求购一根胡子，达利直接开价一万美金一根，结果小野洋子竟然答应了。
然而达利收到钱后依然舍不得自己的胡子，只给了一片干草。
他本人曾说，好多美国人到西班牙来探访我，他们是想看我的画吗？不，他们只是对我的胡子感兴趣。人们并不需要一个伟大的画家，只需要一对漂亮的胡子。
至于周董提出的问题，有一个说法是，胡子的原版或许说来自达利的偶像，17世纪西班牙大师迭戈·委拉兹开斯。
看了对比图，你怎么想？
如果说毕加索的灵感来源于女人，那么达利的灵感就来源于梦。
为了追求灵感，达利想了很多怪异的办法，不论怎么设计，目的都是为了让自己能在做梦的时候突然醒过来。
其中一个行之有效的好办法，就是手握一把勺子坐着，脑子里想着一个他所关注的点开始发散，慢慢的就会进入半梦半醒的状态里。
等他刚开始睡着的时候，手里的勺子会一下子掉在地上。或者摆个玻璃杯，勺子就会撞到玻璃杯上。他就会立刻被吵醒，然后赶紧把梦里的神奇景象画下来。
达利《弯曲的汤勺》
尤里·盖勒让弄弯汤勺成为超能力的代表。达利让汤勺落地成为超灵感的代表。
《永恒的回忆》是达利的名画。其中被太阳晒的软趴趴的三个钟表，来源于生活中一块软乳酪的触觉。这种融化的钟表，已经成了他的某种艺术标签。
下面这张达利于1934年创作的《转变的瞬间》，成交价约为912.5万美元。
萨尔瓦多·达利《转变的瞬间》，成交价912.5万美元
系列作品《龙虾电话》是为好友住宅设计的装置艺术。这是非常具有象征意味和性暗喻的一套作品，有多个彩色和白色版本。
龙虾的尾部隐喻女性隐私部位，达利将它对准了象征嘴巴的话筒。
曾有一只白色的龙虾电话进入英国的拍卖场。为了阻止这只龙虾电话流失到国外，当时英国甚至对所有的超现实主义艺术品实施了临时出口禁令。
魔幻、奇妙、刺激、疯狂，让这个疯子艺术家成了西方解放自我的思潮英雄。
难怪达利敢说——
5、跌落泥沼的贵公子：常玉（Chang Yu，1900-1966）
浪荡是世俗画作里最自由不拘的水墨
花都优雅的双腿是这宇宙笔下的一抹
飘洋过海的乡愁种在一无所有的温柔
寂寞的枝头才能长出常玉要的花朵
画家常玉是出名的浪荡公子，是留法学生中绝对的富二代，一到巴黎就过上了鲜衣怒马、花钱如流水的日子。
与徐悲鸿、林风眠等到巴黎美术学院进修的艺术家不同，常玉在巴黎的日子，过的特别惬意。
因为家里有钱，再加上自己对求学艺术的理念不同，他走了一条用最悠哉悠哉的艺术创作之路。
他没有去美术学院，而是整日流连于画廊和咖啡馆，还有灯红酒绿的红磨坊，潇洒追梦。
他可能时而拉一首小提琴曲，一旦美妙的音乐让他有了灵感，就坐下画一会儿。
可以说，他就是早期那批留法学生中的翩翩贵公子。
他一生热爱女人，更爱画女人。花都巴黎丰满的裸女是他最重要的主题。这些女人健壮的大腿，被徐志摩戏称为“宇宙大腿”。
常玉《屈腿裸女》，1.98亿港元成交
常玉曾娶过哈蒙兹男爵的女儿玛素哈蒙尼耶小姐为妻。然而这段婚姻只维持了两年，妻子无法忍受他跟别的女人眉来眼去，离开了他。此后终其一生，常玉再没有结婚。
在MV中，常玉送了一幅画作给周董，就是下图左边这幅。
其实在现实中，常玉确实经常无视自己画作的价值，有时候送的比卖的还多。
花卉也是常玉的重要主题，但他不是什么花都画。画的最多的，是菊花，大约是来源于中国文化中四君子的精神，“采菊东篱下，悠然见南山”的孤傲和高洁。
常玉《含华吐瑞》
这幅画菊的典型作品《青花盆中盛开的菊花》以1.91亿港元在拍卖会上成交：
常玉 1940-1950年代作 青花盆中盛开的菊花
后来他父亲去世，家里生意失败，再无人能供养他。常玉在巴黎的生活突然落魄起来，到了家徒四壁的地步。在生活的鞭打之下，这位最爱画裸女和花的艺术家，画风一度变得黑暗深沉起来，开始画小动物。
常玉《沉睡的豹子》
这只很小很小的象，是他的绝笔。在一望无垠的沙漠中孤独的奔驰。
常玉指着小象对朋友说，这是我。
常玉《孤独的小象》
裸女是他的花花世界，菊花是他的高洁向往，而弱小孤单的动物，则是晚年残酷现实压迫下的凄凉人生。
晚年的常玉一文不名，去世后被葬在乱坟岗，连墓碑都没有。
彼时的他一定想不到，53年后，他有一幅《五裸女》会在祖国的香港以3.04亿港元成交。
6、色彩的野兽：马蒂斯（Henri Matisse，1869-1954）
小船静静往返
马谛斯的海岸
马蒂斯是野兽派的创始人。以他为首的一批年轻画家在办展览时，有一位评论家幽默地说他们就像一群野兽。这个画派由此得名。
不过，创始人马蒂斯并不怎么喜欢这个名字。他觉得：“野兽派是我把红、蓝、绿三种颜色并列、对比，使之更具表现力的一种试验。它产生自我心中的某种需求，而不是诞生于任何主观或理性的态度。”
这个画派的特征是大胆的解放色彩，他们甚至认为，色彩就是独立的生命和语言，不需要依附其他形式存在。
其实呢，野兽派只是一个松散的“组织”，它的风格只是一群年轻人在艺术探索道路上的一次尝试，虽然大家很快就在探索之路上继续前进，各自转向了其他尝试，但是这短短的昙花一现，却对后来的现代艺术产生了很大影响。
马蒂斯本人后来也转向了唯美宁静的画风，特别喜欢中国的青花瓷。
当他来到法国南部，立刻被尼斯的蔚蓝海岸征服。他说，这是蓝宝石、孔雀羽毛、高山冰川和翠鸟融化在一起的蓝色！
通过一扇窗户，他画了这片海岸30年。
Interior with a Violin Case, 1919
Seated Woman, Back Turned to the Open Window, 1922
7、被时代路过的人：梵高（Vincent Willem van Gogh，1853-1890）
星空下的夜晚
交给梵谷点燃
梵高实在太出名。
但很多人甚至不知道，他是一位荷兰的后印象派画家。
后印象派，其实就是印象主义之后出现的美术现象。如果说印象派是追求光，追求客观物象，那么后印象派就是追求主观感受，追求更加富有激情的表现方式。
星月夜The Starry Night
罗纳河上的星夜 Starry Night Over the Rhone
梵高一生最大的愿望就是为自己办一次画展，可他生前只卖出过一幅画。
他出生的那一天，刚好是哥哥的忌日，他死去的那一天，只有一群乌鸦飞过麦田。
麦田里的乌鸦Wheat Field with Crows
梵高说：每个人心中都有一团火，路过的人，只看到烟。
他心中的那团火，化成向日葵、星空、麦田、丝柏，在画布上熊熊燃烧。
可惜的是，那个时代和那个时代的所有人，
都只是从他身边路过。
8、用画笔描绘心灵：蒙克（Edvard Munch，1863-1944）
梦美的太短暂
孟克桥上呐喊
这世上的热闹
出自孤单
蒙克是挪威的表现主义艺术先锋。他的作品被称为心灵的现实主义，带有强烈的主观性和悲伤压抑的情调。
蒙克的画里，经常会出现一座桥，被人称为“蒙克桥”。
这座桥不是现实中特定的某一个桥，一般认为，它通向的并非是物质的世界，而是通向蒙克的心灵世界，或者是人类的心灵世界。
最著名的一座蒙克桥上，应该就是《呐喊》里面这座了。
“呐喊”现在已经是我们的通用表情包了。
《呐喊》不是独立的一件作品，而是蒙克笔下的一个系列，是采用不同的颜料材质和颜色进行的一系列探索。其中由私人收藏的这一幅，在2012年拍出了1.19亿美元的天价。
《焦虑》和《绝望》也是蒙克桥上的极致的情绪表达。
你觉得，蒙克桥到底通向怎样的心灵世界？
9、用生命描绘光与影：莫奈（Oscar-Claude Monet，1840-1926）
花园流淌的阳光
空气摇晃着花香
我请莫内帮个忙
能不能来张自画像
大师眺望着远方
研究色彩的形状
突然回头要我说说
我对我自己的印象
日出在印象的港口来回
光线唤醒了睡着的花叶
草地正为一场小雨欢悦
我们彼此深爱这个世界
莫奈是印象派的领导者，这是一个用色彩把光表现到极致的奇妙流派。
他们着重描绘光的瞬间，在光与影中解放色彩。
他们认为有光才有色，世界上任何物质都是光和色的媒介。
因此，莫奈的画布上永远落满了明亮的阳光。
而阳光，最适合万物生长。
他的眼睛可以捕捉一切美，
但塑造美丽的方式不一定是绘画。
比如，他就会指着自己的花园说：
“我的花园是我此生最美的杰作。”
莫奈花园
《日出·印象》成了印象派命名之作，画的是阿弗尔港口早上六点的晨曦与朝雾。
吉维尼小镇的花园里，莫奈花了29年，画了181幅睡莲。
草地上的午餐是莫奈致敬马奈
Luncheon on the Grass, Center Panel, 1865
Luncheon under the Canopy, 1883
10、遗憾和感伤的徐志摩（Xu Zhimo，1897-1931）
停在康桥上的那只蝴蝶
飞往午夜河畔的翡冷翠
遗憾被偶然藏在了诗页
是微笑都透不进的世界
巴黎的麟爪
伤感的文法
要用音乐翻阅
晚风的灯下
旅人的花茶
我换成了咖啡
之后他就
爱上了苦涩这个复杂词汇
因为这才是挥手
向云彩道别的滋味
大部分人大约都是从《再别康桥》知道徐志摩的。
“康桥”指的是英国的剑桥。他曾经在剑桥待了两年。在这之前，他先后从北京大学、美国克拉克大学、伦敦政治经济学院，一路辗转到康桥大学，也就是今天的剑桥大学。
虽说他在这里学习的是政治经济学，然而也正是从这个时期开始，他进入了诗歌创作的高峰期。
从剑桥回国六年后（1928年），他创作了《再别康桥》。
1925年，徐志摩前往欧洲游历，在此期间曾经游历了法国、意大利、德国等地。
《巴黎的麟爪》是徐志摩絮絮叨叨的回忆。
诗歌《翡冷翠的一夜》和散文《翡冷翠闲话》，使得意大利佛罗伦萨得了“翡冷翠”这么一个万分浪漫的译名。
他的《偶然》是偶遇林徽因的灵感。
伤感的文法，要用音乐翻阅。
作为新月派的代表，徐志摩提倡诗歌的格律化。
诗的格律有三美：第一就是音乐美。
闻一多《诗的格律》：音乐美（音节）、绘画美（辞藻）、建筑美（节的匀称和句的均齐）
在徐志摩去世后，冰心为他写了一段悼词，将他比作蝴蝶。
谈到女人，究竟是女人误他？他误女人？也很难说。志摩是蝴蝶，而不是蜜蜂。女人的好处就得不着，女人的坏处就使他牺牲了。
11、圆亭咖啡馆和莫迪里阿尼 La Rotonde / Amedeo Modigliani
徐志摩说：如果巴黎少了咖啡馆，恐怕会变得一无可爱。
巴黎的咖啡馆是民众的议会厅，阅读写作的天堂，是艺术家的协会
巴尔扎克：咖啡馆的柜台就是民众的议会厅。
克劳士·提勒多曼：18世纪的欧洲，在那些天花板及墙壁都被烟熏黑的小咖啡馆里，有人组织艺术家协会，有人撰写剧作、编辑期刊或写诗，浓郁的咖啡刺激着艺术家各种创作灵感，那是一丝往日艺术时代的气息，向我们吹拂而来，并令人惬意地叠积在我们的时代中。
这里是圆亭咖啡馆，始建于1855年。
这个老咖啡馆，曾经是艺术家、思想家们的聚会圣地，不知有多少艺术与自由的灵魂曾经在此迸发！
那个时代的青年艺术家们，大多来过这家咖啡馆。就连法国总统马克龙，也是在这里庆祝当选。
在这家咖啡馆的墙上，挂着莫迪里阿尼的画作。
阿梅代奥·莫迪利亚尼（1884－1920）是意大利著名画家。擅长用巧妙而富有韵律的线条来表达。
莫迪里阿尼的经历跟梵高很像，贫困潦倒。有生之年只办过一次展览，却在开幕当天被警察关闭。
也不知道相比之下，到底是他这只开幕不到一天的人惨，还是梵高那样从未实现过办展梦想的更惨？
莫迪里阿尼的肖像画有着非常有辨识度的造型模式，变形而拉长的形象，颜色浓烈，眼神空洞。
在MV中一出现，立刻就吸引了我的目光。
咖啡馆截图 莫迪里阿尼《系黑领带的女人像》
咖啡馆截图 莫迪里阿尼《让·科克托肖像》
莫迪里阿尼曾说：
我想要短暂却完整的生命。
他做到了。去世时，他年仅36岁。
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